Nomada Q : pop art

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A poco que el observador se detenga a contemplar las obras del artista interdisciplinar Samuel Rodriguez, podrá distinguir entre sus matices todas y cada una de las referencias identitarias de las que se nutre.

Y que caracteriza su trayectoria. Descendiente de una familia de origen mexicana que emigro a los Estados Unidos, el finalmente se establece en la ciudad californiana de San José. Donde tiene la oportunidad de redescubrir sus raíces a través de su relación con la numerosa comunidad de hispanos fundamentalmente emigrados de Mexico que han colonizado buena parte de la ciudad.

Y cuya presencia actúa de precursor para que primero de forma autodidacta y posteriormente tras completar su formación académica, desarrolle su carrera como artista. Carrera incipiente donde a través de proyectos tantos comerciales como de índole artística Samuel explora los rasgos identitarios relacionados con la cultura de sus ancestros, describiéndolos desde una óptica y contexto contemporáneo, donde se constata la tensión entre las raíces y su adaptación a un medio en muchas ocasiones hostil.

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Casi siempre protagonizados por retratos los murales y los lienzos realizados en tonos vivos y coloristas influenciados por el Pop Art mas cosmopolita de Samuel Rodriguez, se fusionan con motivos originarios de la cultura Azteca que actuan reflejando de forma alegorica, simbolizando las multiples incertidumbres que plantea la globlalización.

Barcelona como cualquier gran ciudad esta en constante proceso de transformación, la antigüedad de los edificios y los nuevos usos urbanísticos y su planificación a corto y medio plazo. Mas la especulación sobre el precio del suelo y el valor de la vivienda.

Provocan que se genere un registro de solares que permanecen en desuso y vallados. Espacios publicos en potencia que podrían ser destinados para crear equipamientos que les devolviera la actividad para disfrute de las comunidades de vecinos donde se encuentran. Seleccionados entre las parcelas de un registro candidatos para ser recuperados a través de diferentes actuaciones de baja intensidad.

inauguarado en 2.014 el Barcelona Pocket Park diseñado por el estudio EMF, actúa sobre un solar que cuenta con una superficie de 1.300 metros cuadrados, transformando lo que era una parcela donde se depositaban escombros y heces caninas en un luminoso parque urbano destinado al uso y disfrute de los vecinos.

Utilizando como elemento de construcción los bloques de cemento que se encontraban allí abandonados e incorporando al paisaje los arboles en situación de desbroce, este nuevo equipamiento ofrece un aspecto totalmente renovado del conjunto del barrio. Distribuidos en diferentes zonas un área infantil que ha sido decorado con murales, cuyo patrón de colores destaca en contraste con el blanco de las piedras y del sendero que cruza el parque. Aparte del efecto estético amplia la percepción que se tiene del espacio y una armonía con los edificios de su entorno, logrando revitalizar el paisaje urbano donde opera.

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Con un presupuesto que ronda los 60.000 euros, el BPP es un proyectos pop-up que transforma el paisaje de la ciudad, creando un espacio de convivencia para la ciudadania.

Lo primero que llama la atención de las intervenciones del dúo de artistas Jana y JS. Es la posición de sus bellos durmientes, parcialmente recostados o apoyados en la pared.

Su miradas sonolientas de Morfeos urbanos, se combina con fotógrafos de espíritu voyeur que con la cámara en ristre, fijan su objetivo retratandonos desde la pared. De nacionalidad francesa y alemana respectivamente los murales sobre diferentes superficies, guardan una constante pop-art en la representación estética de todos y cada uno de los murales.

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Sus trabajos plantean graficamente la cuestión del individuo y su relación con la ciudad, combinando retratos y vistas arquitectónicas.

En las composiciones Pop-Art del artista Scott ListField conviven elementos de la cultura americana e iconos cinematográficos. Elementos narrativos a través de los que crea atmósferas surrealistas donde la memoria del observador.

Recupera fragmentos de muchos de los iconos culturales de los que hemos sido testigos a lo largo de buena parte del siglo XX. Tratando cada episodio o evento aplicando un enfoque como vehículo mitologico.

En cuya trama existe un personaje o protagonista, un anodino astronauta que actúa de anti-heroe o outsider. Que se asoma a una realidad que no por no conocerla le deja de resultar ajena.

A pesar de su inexpresividad y su carencia de lenguaje corporal, el expectador es capaz de percibir su desorientación. Así como su indiferencia y soledad que experimenta en una arcadia digital.

Scott Listfield es conocido por sus fabulas creativas en las psicoanaliza la sociedad que le rodea a través de la mirada distante, anodina y aparentemente nihilista e irónica de un astronauta solitario. Que se muestra desorientado en un paisaje abrumador repleto de iconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias a ciencia ficción.

Scott creció en Boston, y estudió arte en el Dartmouth College. Después de algún tiempo viviendo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde empezó a caricaturizar una sociedad que había crecido influenciada por films de ciencia ficción como 2001 Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick o Jurasick Park, así como series como Lost In Space. Relatos cuyas expectativas tuvieron con el paso de las decadas, un reflejo sobre el terreno y en términos domesticos prácticamente nulo, no materializandose prácticamente ninguna de sus predicciones.

En un contexto social sobre-estimulado por la publicidad, que le incita a un consumo voraz de bienes y recursos. Situación en la que el individuo se enfrenta a sus propias contradicciones y fantasmas personales.

A todos en alguna ocasión cuando eramos niños nos han contado un cuento para conciliar el sueño, relatos en apariencia inocentes que nos trasladaban a mundos ideales donde la bondad se acababa imponiendo a la maldad.

Pero curiosamente todos esos cuentos con moraleja que nos trataban de inculcar valores nobles, cuando por primera vez fueron redactados, sus autores originales no estaban pensando en un publico infantil como destinatario de lo que escribían.

Sino en un lector adulto, que era el que aquella había adquirido suficiente comprension en la lectura como para poder asimilar un texto legiblemente.

Fue ya entrado el siglo XX cuando lo que eran historias dirigidas a un publico adulto se transforman en tiernos cuentos con moraleja y final feliz consumidos por el publico infantil. De alguna forma la celebre fotógrafa Dina Goldstein pone las cosas en su sitio con la serie Disney Princesesses.

Una selección de composiciones donde además de cuestionar los estereotipos femeninos mediante los retratos que realiza de algunas de las mas famosas de las protagonistas de las versiones de aquellos cuentos, retistuye su verdadero significado o al menos le devuelve parte del contexto literario en el que y por el que fueron concebidos.

Goldstein crea un lenguaje visual matizado que coloca lo mundano y cotidiano en entornos inusuales para inspirar la comprensión de la condición humana. Goldstein comenzó su carrera hace más de 30 años como fotoperiodista, evolucionando de una fotógrafa documental y editorial a una artista independiente centrada en producciones a gran escala de cuadros de fotografía narrativa.

Su trabajo es un comentario social altamente conceptual y complejo; incorporando arquetipos culturales e iconografía del imaginario común colectivo con narrativas inspiradas en la condición humana. Apoyándose en el lenguaje visual del surrealismo pop, escenifica composiciones que exponen de la vida moderna, desafiando las nociones de influencia cultural y sistemas de creencias inherentes.